lunes, 11 de mayo de 2009

Diseñadores, el principio.

Paul Poiret 1879-1944

Paul Poiret nació el 8 de abril de 1879 en un ambiente propicio a los placeres sensuales, pues sus padres eran comerciantes de telas en el barrio de Les Halles, en aquella época el "vientre" de París. A pesar de su imaginación y carácter soñador, que hacían presagiar su futura dedicación al mundo de las artes, su padre le obligó a terminar sus estudios de secundaria y luego lo mandó a trabajar como chico de los recados en el taller de un paragüero. Poiret, de su maestro tomaba retales de seda. Con estos restos, el jovenzuelo elaboraba extravagantes creaciones que hacían las delicias de su madre y hermanas. Su talento como dibujante le procuró un puesto en el taller del famoso modisto Doucet. Junto a él aprendió el arte de la costura, el de la buena vida y a tratar bien a las estrellas del teatro, algo que podía procurarle gran publicidad.


En 1901 se colocó en el taller más importante del momento, Worth, donde trabajó para sus hijos, que pronto se deshicieron de él. Dos años después montó su propio salón de moda. Su primera clienta fue la entonces admiradísima e imitadísima actriz Réjane. Tres años más tarde Poiret era una celebridad conocida allá donde fuera y en cuyas fiestas se reunía el tout París. El motivo por el que Paul Poiret empezó esta batalla contra el corsé fue que encontraba ridículas a las mujeres de busto curvo y trasero prominente. En 1906 diseñó un traje sencillo, entallado directamente bajo los pechos y que caía recto hasta los pies.

La nueva mujer del diseñador era modesta, joven y de movimientos descaradamente libres. Bajo sus vestidos se escondía una hermosa figura y no un buen corsé. Pero la desaparición del corsé no era lo único que hacía parecer a las mujeres más jóvenes y atractivas, también contribuyeron a ello los colores vivos y estampados sencillos. Para rematar el efecto, Poiret desterró las medias negras y cubrió las piernas con seda de color carne. Lamentablemente su estilo pronto comenzó a degenerar. Cada vez subía más el talle, y en consecuencia, los pechos. Además, sus escotes eran cada vez más pronunciados y sus faldas más estrechas. En 1910 lanzó la falda trabajada, que obligaba a las mujeres a ir dando pequeños pasitos. En esta ocasión las mujeres no siguieron los dictados del genio. Esto no preocupó mucho a Poiret, que siguió vistiendo a la mujer a su antojo con caftanes, quimonos y pantalones bombachos, y cubriéndola con velos, túnicas y turbantes. El lujo en todo su esplendor, bordados de vivos colores, puntillas de oro y plata, perlas y plumas. Lo oriental era el último grito tras el éxito en 1909 de los Ballets Rusos en París, que influenciaron en las artes, la moda y, en definitiva, el estilo de la década.
Paul Poiret fue el primer modisto en lanzar su propio perfume y en 1911 se aseguró un escándalo de inmejorables repercusiones publicitarias al presentar su falda pantalón, que recibió la condenación del mismísimo Pío X. Además, al comprobar en sus viajes que en todas partes se copiaban sus diseños, impulsó la creación del Syndicat de Défense de la Grande Couture Française, que debía proteger las creaciones originales.

Poiret no podía calificarse únicamente de modisto, pues era capaz de vender desde complementos hasta elementos de interiorismo. Pero el creador no fue un visionario, simplemente vivió integrado en su época, en los años previos a la I Guerra Mundial. Durante ésta, el diseñador fue movilizado y, al regresar del frente comprobó con horror que todo había cambiado. Poiret no pudo comprender que la guerra había hecho más por la independencia de las mujeres que la moda. Creyó que podría recuperar a su antigua clientela dando fiestas y celebraciones, pero esto logró que acabase arruinado. Finalmente, abandonado por todos, se retiró a la Provenza, donde consumido por el rencor se dedicó a la pintura.

Murió en 1944 pobre y olvidado, pero sin embargo su obra contribuyó enormemente al futuro de la moda.
Se rindió homenaje a su labor en el mundo de la moda en 2007 con la exposición Poiret: king of Fashion, que os comenté en su día AQUÍ.

Jeanne Lanvin (1876-1946)

Lanvin, la mayor de 11 hermanos, empezó a trabajar a los 13 años como chica de los recados; luego pasó a ser costurera y finalmente modista. A los 18 años abrió una sombrerería propia. En 1895 se casó con un noble italiano, Emilio di Pietro, aunque su matrimonio se separó ocho años más tarde, cuando su hija Marguerite contaba con seis.

El amor a su pequeña hizo que Lanvin empezara a diseñar delicados vestidos en colores alegres, que se oponían de manera radical a las simples miniaturas de la ropa para adultos que llevaban los niños de la época. Así, al mismo tiempo que diseñaba su primera colección infantil, ponía la primera piedra de su casa de moda. Poco tiempo después creó una línea para chicas jóvenes y otra para mujeres, convirtiéndose en la primera diseñadora en tener en cuenta los distintos grupos de edad.
Introdujo en la moda un nuevo tema: la juventud, pues con sus patrones sencillos e inocentes y sus colores vivos daba a las mujeres de cualquier edad un aspecto femenino y romántico. Sus vestidos tobilleros de tejidos vaporosos han pasado a la historia de la moda como robes de style. En 1926 se lanzó al diseño de moda masculina, por lo que en su salón podía vestirse toda la familia. Más de un siglo después, su salón sigue siendo propiedad de los herederos de la fundadora. Si quieres saber más, clic AQUÍ.


Jeanne Paquin (1869-1936)

En 1914 organizó en el Palace Theatre de Londres el primer desfile de modas entendido como un espectáculo con música.

Gran parte del éxito de la casa Paquin se debió al talento para las finanzas y al encanto de Isidore Paquin, que supo adular con gran habilidad a su clientela: alta nobleza, estrellas de la farándula y otras celebridades. Sin embargo, el genio creativo de la casa era Jeanne Paquin, que realizó sus estudios en la Maisson Rouff. La modista presentó su vestido de corte imperio en 1906, adelantándose a Poiret. En 1900 presidió la sección de moda de la Exposición Universal de París y, trece años más tarde recibió la Cruz de la Legión de Honor. Su empresa fue pionera en cuanto a filiales en el extranjero: Londres, Nueva York, Buenos Aires, Madrid...

En 1914 organizó en el Palace Theatre de Londres el primer desfile de modas entendido como un espectáculo con música, que resultó ser todo un éxito.
Pero a pesar de ello, Paquin no fue una innovadora, ya que sus cambios fueron introducidos poco a poco y de manera discreta. Por lo que realmente pasó a la historia Jeanne Paquin fue por su predilección por sus adornos en piel y por sus románticos vestidos de estilo dieciochesco. Cuando su esposo murió al finalizar la Primera Guerra Mundial, ella dejó la dirección del negocio a su cuñado y delegó las decisiones artísticas en mademoiselle Madelein. Su salón no cerró las puertas hasta 1956.

Madeleine Vionnet (1876-¿?)

Madeleine Vionnet fue la inventora del corte al bies y de hermosos drapeados que hasta hoy en día nadie a conseguido superar. Su vestido de noche color marfil (1935) se considera una obra maestra, cuya caída perfecta se debe a una única costura, lo que para su creadora constituía el objetivo más elevado. Es posible que la habilidad de Madeleine Vionnet para crear estos cortes a partir de formas simples como cuadrados o triángulos, se debiera a su pasión por la geometría. La modista, nacida en 1876 en el seno de una familia modesta, tuvo que dejar la escuela a los 12 años. A continuación aprendió corte y confección y trabajó durante un tiempo en París. Con 16 años se trasladó a Inglaterra, donde con 20 años asumió la dirección del taller de la modista Kate Reilly. En 1900, de vuelta en París, entró a trabajar en la reputada casa de moda de las Soeurs Callot, donde se convirtió en mano derecha de Marie Callot Gerber, la responsable de la faceta artística del negocio. En 1907, Doucet le encargó el rejuvenecimiento del estilo de su firma. Vionnet empezó suprimiendo el corsé y acortó los bajos, para disgusto de las vendedoras y de las clientas. Esto hizo que la diseñadora se diese cuenta de que tenía que abrir su propia empresa. Vionnet estudió el cuerpo femenino como un médico, para de ese modo preservar su belleza natural y obligar al vestido a adaptarse a la silueta. Hizo uso de los drapeados y del célebre corte al bies, hasta entonces solo utilizado en cuellos, nunca en un vestido entero. Utilizó tejidos sutiles, como el crespón de seda, la muselina, el terciopelo o el satén. En 1918, su proveedor, creó especialmente para ella un tejido único compuesto por seda y acetato, una de las primeras fibras sintéticas. Los colores que usaba eran clásicos, siendo su preferido el blanco en todos sus matices. Además, la diseñadora procuró no recargar excesivamente sus creaciones, utilizando como adornos bordados, rosas o nudos estilizados. Las trabajadoras de Vionnet disfrutaron de unas condiciones que la ley no impondría hasta más tarde, breves descansos, vacaciones pagadas y ayudas en caso de enfermedad. A ella y a sus generosas donaciones se debe la creación en 1986 del Musée de la Mode et du Textile en París.

Mariano Fortuny 1871- 1949


Aunque no era modisto consiguió crear el único vestido que se ha ganado un sitio en la historia: el Delfos, un traje de seda plisada inspirado en los chitones de la Antigua Grecia. Como el chitón, caía desde los hombros hasta los pies sin costuras que le dieran forma, relleno o tela recogida. Un cordondicllo de seda con pequeños adornos de cristal de Murano, ampliaba o reducía el largo de la manga a voluntad. El modelo, creado en 1907 fue calificado de inmediato por los entendidos de obra de arte. El Delfos era un vestido, que, sin mostrar nada, tampoco lo escondía y proporcionaba a la mujer la libertad de movimientos que anhelaba. Así, esta túnica se convirtió en el último grito entre las estrellas de la danza moderna, como Isadora Duncan o Martha Graham.
Su interés por las telas y los colores le llevó a trabajar con terciopelos, sedas y a experimentar con las técnicas de estampado. Su primera creación fue el chal Knossos, una túnica de corte similar a un sari confeccionada con seda estampada. Realizada en fina muselina, estaba decorada con motivos de las Cícladas. Este modelo fue usado entre otras por Mata Hari. El Delfos nació de un simple retal de seda que Fortuny consiguió plisar de forma permanente con un método secreto que todavía no ha logrado aclararse. Según algunos, se hacía a mano, sobre un tejido mojado y endurecido con clara de huevo, que daba como resultado el finísimo plisado largo y desigual característico del vestido.
Otro misterio lo constituyen los sutiles matices cromáticos de la tela. Todos estos detalles convirtieron al vestido de Fortuny en una pieza de museo.
Sus Delfos plisados presentados como una bola de tejido, y sus echarpes Knosos, se vendían en exquisitas cajas, tempranas precursoras del marketing de tiempos posteriores.
Este modisto fue un innovador y un adelantado a su época.Nació en Granada,pero realizó su obra en Italia. Los modistos contemporáneos Issey Mijake y Gyvenchy siguen sus pasos.Nacido en Granada en 1871, era hijo del pintor Mariano Fortuny Marsal y de Cecilia Madrazo, hija del pintor del mismo nombre. Vivió su infancia en Roma y París, donde aprendió pintura con Benjamin Constant. Estudió también dibujo y química en Francia y Alemania.Fue un hombre polifacético y genial. Buen conocedor de la física y la química, cultivó la arquitectura, la pintura,la escultura, el grabado, la fotografía, el diseño textil, la escenografía, la iluminación, la decoración, el diseño de muebles y la moda. Sus diseños de moda fueron vanguardistas e incluso rupturistas. Fue también un gran coleccionista de telas orientales.En 1889, cuando tenía 18 años, su familia se trasladó a Venecia donde, hasta 1907, se dedicó a la pintura y a la creación de escenografías, iluminaciones, decorados y vestuarios para teatro, óperas y ballets en Italia, Francia, Alemania e Inglaterra, colaborando con los principales artistas europeos y preparando vestuarios y escenografías de obras de teatro para la Scala de Milán, como “Tristán e Isolda” y “Las walquirias”.Desde 1907, junto con su mujer Henriette, se dedicó a experimentar en tintes y estampado textiles, utilizando terciopelos, sedas, óxidos metálicos y tintes que hacía traer de Brasil, la India, México o China. El estudio de la pintura inglesa le llevó hasta el clasicismo griego y sus vestimentas, como la túnica o xitón.
Su obra se conserva fundamentalmente en el Palazo Orfei, de Venecia, el mismo lugar donde el artista trabajó hasta su muerte, en 1949.

Nina Ricci (1883-1970)

Maria Nielli, nacida en Turín, Italia en 1883, se mudó a Florencia con su familia a los 5 años y luego a Francia en 1895 a los 12 años. Con 13 comenzó su aprendizaje como modista y siguió aplicando su amor por la moda a lo largo de su adolescencia. Se casó con Luigi Ricci, joyero, en 1904, convirtiendose en Maria Ricci. Tuvieron un niño llamado Robert. En 1908 Nina se sumo a la casa de Raffin como diseñadora y permaneció allí durante 20 años, trasladándose a crear su propia casa de diseño en 1932.
La casa de Nina Ricci fue fundada por Maria Ricci y su hijo Robert en París en 1932. Madame Ricci diseñaba las prendas, mientras que Robert gestionaba los negocios y las finanzas. Ella trabajó con los tejidos directamente sobre el maniquí para asegurarse de que había forma una vez que se habia terminado. Nina Ricci pronto se hizo conocida por el sentimiento refinado, romántico, siempre femenino que Maria añadía a todas sus colecciones.

Nina Ricci, otoño / invierno 1966 colección: "Marruecos", una colección de cóctel inspirada en el norte de Africa.

Nina Ricci adoraba los estampados y colores suaves. Las flores eran un motivo recurrente en sus creaciones, ya fueran estampadas, bordadas o aplicadas.Sus vestidos, románticos y femeninos resultaban dignos de una dama, por lo que sus clientas, señoras de la alta burguesía, irradiaban una elegancia muy adecuada para aquellos agitados tiempos políticos y económicos.

En 1945, con el fin de la guerra, los diseñadores se debatian sobre la manera de reactivar el entusiasmo que antes las mujeres habían tenido con la alta costura, recaudando a la vez dinero para ayudar tras la guerra. Robert Ricci tuvo una idea que Lucien Lelong, Presidente de la Cámara, puso en práctica. Más de 150 maniquíes de 40 modistos de París, entre ellos Balenciaga y Madame Gres, fueron vestidos con las etiquetas de los mejores modas y se colocaron en una exposición celebrada en el Museo del Louvre, en París. Después de un gran éxito en París, una gira por Europa y, a continuación EE.UU.En 1948 Robert creó un perfume que se convertiría en todo un emblema, "L'Air du Temps", una mágica fragancia convertida en un clásico francés.En los primeros años 50 Nina Ricci estaba a punto de cumplir setenta años y lentamente dejó de tener un papel activo en el diseño, dedicandose solo a supervisar la maison. Su hijo eligió el nuevo jefe de diseño en 1954, el belga Jules-Francois Crahay. Fue así como Nina Ricci adquirió renombre internacional. Maria Ricci falleció el 30 de noviembre de 1970 a la edad de 88.En el año 1974 crean el "Ury Perfume Production Centre" dedicado exclusivamente a perfumes, centrandose en este sector. En 1992 lanzan su primera línea de cosméticos, "Le Teint Ricci".En 1997 la casa española Puig adquirió Nina Ricci. En 2007, diez años despues, deciden fichar a Olivier Theyskens, nacido en Bruselas en 1977. Tras el cierre de Rochas, a la casa española Puig le pusieron en bandeja el fichaje de Olivier Theyskens para Nina Ricci. Ningún otro diseñador fichado por la casa francesa había levantado tanta espectación.

Christian Dior (1905-1957)

El genio tuvo una gran idea al cambiar, de una colección a otra, la longitud de los dobladillos o incluso la línea entera. Procurando que pasara de moda rápidamente.
Christian Dior nació el 21 de enero de 1905 en Granville, Normandía.
En 1928 aquél que soñaba con ser arquitecto, y que confesará posteriormete "mis padres y las circunstancias de la vida me impidieron dar salida a esta pasión", abrió una galería de arte contemporáneo donde se exponían las obras de Chrico, utrillo, Braque y fernand Lèger, asi como el trabajo de sus amigos Max Jacob y christian Bérard.
En 1929 y tras el crac de Wall Street se ven obligados a cerrar la galería.
Es entonces cuando comienza a vender bocetos de moda a ciertas casas de costura parisinas e ilustrar las páginas del "Fígaro".
Este talento le llevó a ser contratado como primer diseñador para Robert Piguet en 1938 y más tarde para Lucien Lelong en 1941.
Cinco años más tarde el rey de la industria textil Marcel Boussac decide financiar la casa Dior y compra para ello el palacete de la Avda. Montaigne. De esta manera se fundó la casa Dior en la Avenue Montaigne.
El 12 de febrero de 1947, con su línea Corola, causó tal sensación que se convirtió en el indiscutible rey de la alta costura hasta su muerte, 10 años después.


Su colección de invierno ese mismo año aportó vestidos confeccionados con un contorno de más de 40 metros y fue tan celebrada como la anterior, en la que había vestidos de día que pesaban hasta 4 kilos y trajes de noche de más de 30. Había nacido el New Look, una contrarrevolución que devolvía a la mujer directamente a la belle époque. Además, Dior introdujo una nueva forma de presentación, sus modelos actuaban de forma teatral, se deslizaban majestuosamente entre los espectadores y balanceaban provocativamente sus anchas faldas en espectáculos de hasta 2 horas. El genio tuvo una gran idea al cambiar, de una colección a otra, la longitud de los dobladillos o incluso la línea entera. Procurando que pasara de moda rápidamente y animando a la prensa y a las ventas.

Dior decidió cargar con el peso de un negocio internacional, proporcionando diseños propios para sus salones de Londres, Nueva York y Cracas, diseños adaptados a las necesidades de cada país y a las proporciones de cada clienta. Unos mil diseños por año. Esta gran cantidad de trabajo, aumentada por la ambición del diseñador por crear un estilo totalmente nuevo cada temporada, hizo que Dior gozase cada vez de más estrés y peor salud. El 23 de octubre de 1957, Dior se desplomó con sólo 52 años de edad, de un paro cardiaco.
Más info AQUí.


Cristóbal Balenciaga (1895-1972)

Los trajes de Balenciaga eran perfectos para grandes ocasiones. Sus piezas, únicas y elaboradas con maestría artesanal, hicieron que se le considerara el arquitecto de la alta costura.

Hijo de una costurera del País Vasco, Balenciaga comenzó pronto a ayudar a su madre. Tras una buena formación, abrió su primera casa de moda en San Sebastián, donde contaría entre su clientela con la familia real. No tardó en abrir salones en Madrid y Barcelona, aunque con la llegada de la guerra civil tubo que cerrar sus tres tiendas. En 1937 se establece en París con un éxito inmediato. Gracias a su clientela el modisto pudo superar la guerra sin grandes pérdidas e incluso pudo reabrir sus sedes españolas. Los trajes de Balenciaga eran perfectos para grandes ocasiones. Sus piezas, únicas y elaboradas con maestría artesanal, hicieron que se le considerara el arquitecto de la alta costura. Sus vestidos de noche estaban influidos por el flamenco y el genio diseñó vestidos globo, vestidos saco, vestidos túnica y vestidos camiseros con una técnica que se refinaba año tras año.
En 1946 lanza su primer perfume "Le Dix", como se llamaba su primer atelier.
En 1968 Balenciaga cerró su negocio, decepcionado con el camino que tomaba la moda.
En 1972 fallecía en su cas de Jávea, Alicante.
En el '78 el control de la casa Balenciaga pasó a Hoeschst, y más tarde al Grupo Jacques Bogart en 1986. En 2001 fue comprado por el Grupo Gucci. Toda la historia de la casa, aquí.

Pierre Balmain 1914-1982



Instigador más que agitador, Pierre Balmain lanzó su carrera trabajando con tres grandes de la moda antes de establecerse por su cuenta. Empezó diseñando por libre para Robert Piguet y depués pasó cinco años con Edward Molyneux antes de cambiar a Lucien Lelong, donde hacía sus bocetos con un joven diseñador llamado Christian Dior.
Aunque el abuelo de Balmain había sido propietario de un negocio de mercería, las dificultades financieras impulsaron a su madre a sugerir que Pierre se convirtiera en cirujano naval. Ignoró su consejo y, en vez de eso, escribió a Piguet, Lelong, Jeanne Lanvin y Molyneux.
Cuando la casa parisina de Balmain abrió el 12 octubre de 1945, él, Christian Dior, y Cristobal Balenciaga fueron los gigantes del diseño responsables de re-energizar el Couture fastuoso de la vestimenta después de la segunda guerra mundial. Sus looks elegantes y super femeninos fueron favoritos entre la realeza europea y de Hollywood como la duquesa de Windsor, la de Kent, la reina de Siam, Marlene Dietrich, Katharine Hepburn, Brigitte Bardot, y Sophia Loren.

Desde la muerte de Balmain en 1982, muchos diseñadores han llevado las riendas de la casa: empezando con Eric Mortenser, seguido por Alistair Blair. En 1992 Hervé Pierre fue sustituido por Oscar de la Renta. Su actual director creativo es Christopher Decarnin quien llegó de Paco Rabanne, creando un look refinado Ladylike con un corte Rock contemporáneo.

En su biografía, My Years and Seasons publicada en 1964, Balmain decía: “El volumen de ventas puede crecer, el personal cambiar, la publicidad [volverse] más descarada, pero una casa de modas rara vez escapa de la categoría en la que fue colocada inicialmente. Tuve suerte de que mi primer desfile obtuviera una buena puntuación” .

YSL

Yves Saint Laurent fue un genio torturado, inventor prolífico y poseedor de las iniciales más famosas del mundo. Pasó su infancia al calor abrasador de Orán, haciendo teatros y vestidos de papel para las muñecas de sus hermanas y soñando con vivir en París.
Conocido como “El Santo” en los círculos de la moda, tuvo su gran oportunidad cuando ganó un concurso patrocinado por el Secretariado Internacional de la Lana en 1954 y fue presentado a Christian Dior por Michel de Brunhoff, de Vogue. Dior lo contrató para que trabajara como su ayudante de diseño. Dos años después, tras la prematura muerte de Dior, un Saint Laurent de 21 años fue lanzado a la luz pública. A la cabeza de la firma, todos los ojos estaban puestos en el joven diseñador, su primera colección se había convertido en un asunto de vida o muerte. El veredicto fue unánime: “Saint Laurent ha salvado a Francia”. Dicho esto, su colección para Dior era una desviación radical de la refinada feminidad y curvilínea confección de su fundador. Saint Lurent rompió todos los esquemas, produciendo líneas trapecio y, en 1960, la imagen Beat.

Saint Laurent fue llamado a filas en 1960 pero rechazado tras dos meses por problemas de salud. A pesar de los grandes problemas de depresión que sufría, en 1962 fundó su casa, gracias a su gran amigo y compañero de toda la vida Pierre Bergé. Vogue anunciabala firma YSL como “La imagen mas buscada de hoy”.
El temperamento de Saint Laurent siempre ha sido más apropiado para la creatividad que para los negocios. Su asociación fortuita con Pierre Bergé le ha permitido diseñar sin tensiones financieras y el negocio ha sido crucial para el éxito de Saint Laurent. Además, la dirección de Bergé permitió a Saint Laurent ser uno de los primeros diseñadores de moda que reinventó su imagen con éxito, desde la alta costura al prêt-a-porter. Su segunda línea, un prêt-a-porter llamado Rive-Gauche, fue un triunfo. En 1970 Saint Laurent conmocionó al mundo al posar desnudo en una campaña publicitaria.

En 1999 fue comprada por el Grupo Gucci por $900 millones y su dirección fue tomada en 1998 por Alber Elbaz y dos años después por el siempre provocativo Tom Ford.

Yves Saint Laurent, que se retiró en 2002, cambió la forma de vestir de las mujeres. Les puso sus trajes de pantalón masculinos con hombros cuadrados, pero siempre logrando que se vieran mas femeninas y elegantes que nunca, además de Le Smoking, el Smoking femeneizado, con la cantidad justa de ángulos y curvas, y chaquetas safari. Un look andrógino, pero suavizado de manera magistral con hermosas blusas vaporosas y ajustadas, y vestidos de alta costura en colores dramáticos.
YSL falleció en 2008 en París a los 71 años de edad.
Yves Sint Laurent estaba considerado como uno de los últimos supervivientes de una generación excepcional de modistos que hizo de París la capital mundial de la moda, incluidos los también franceses Christian Dior y Coco Chanel. Bergé aseguró que "Coco Chanel trajo a las mujeres la libertad y él les dio el poder".
En 2004 fue Tom Ford quien se hizo cargo de la dirección creativa de la firma.
Actualmente el nuevo diseñador es Stefano Pilati. Stefano Pilati, trabajó para Miu Miu y Giorgio Armani antes de empezar a trabajar para Tom Ford en YSL Rive-Gauche.
Toda la historia AQUÍ.
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Información extraida del libro de Charlotte Seeiling "MODA. El siglo de los diseñadores" Editorial Könemann, y de los archivos de las respectivas casa de moda.

12 comentarios:

nOna dijo...

Me ha encantado el post, super interesante de verdad!!!
Un besin

srta a dijo...

NONA: muchas gracias guapa! me alegra mucho que te haya gustado,
besos!!

Hummingbird dijo...

ahora sí que he dejado mi baúl vintage lleno a rebosar..., :). precioso post y me ha encantado leer de fortuny que se comentó tanto el traje de vodianova. un XX! gigante

stellawantstodie dijo...

uff! menuda selección!!
dif´cil quedarse con uno solamente!!

Blair dijo...

Menudo post,digno de un especial de Vogue.Las fotos e ilustraciones son preciosas.1besazo

Miss at la Playa dijo...

siempre haces unos posts increíbles.

Me quedo con YSL

Roberfumi dijo...

¡Muy interesante! Que bonitos son los dibujos y las fotos antiguas.


Aún no lo he acabado, lo termino mañana, pero me han llamado la atención muchos detalles, como la influencia de la guerra mundial en Poiret.....el leer el origen de Lanvin, que tantas veces veo ahora vistiendo a Natalie Portman...en fin, un post genial!!!

Besos!!

Kathy dijo...

Un post muy interesante, es una pena que en país vasco se recuerde tan poco a Balenciaga, fue un genio y.. apenas se oye hablar de él
¡Un besito!

srta a dijo...

HUMMINBIRD: es cierto, Vodianova llevó un Fortuny original, creo q es el mismo que aparece en la foto que he puesto, lo has visto? y he leido que el vestido no sobrevivió a la noche por culpa de alguno que se lo estropeó. La foto de su cara tras el desastre es un poema... es lo que tiene llevar una obra de arte a una fiesta... tenía que haberse cambiado luego, pobre. Un beso!!

STELLAWANTSTODIE: todos tienen ese algo especial ;) Un beso!

BLAIR: jejeje, qué graciosa! me alegra muchísimo que te guste guapa, es un halago. Un beso!

MISS AT LA PLAYA: muchas gracias, me encanta indagar sobre la historia de la moda ;) Y de YSL qué decir... un genio. Un beso!

ROBERFUMI: Es verdad, las ilustraciones antiguas tienen algo especial...tengo muchas guardadas, si queires ya te mandaré un mail con unas cuantas, ya me dices algo ;)
Y me alegra que estés leyéndolo todo y que te esté pareciendo interesante, ya sé que es un poco largo ;). Besos!!

KATHY: Un gran genio además, de los pocos españoles que están en ese grupo... Un beso guapa!!

Jana & Lola dijo...

Me encanta el post de los disenyadores esta muy currado y es muy interesante!! :)

srta a dijo...

JANA & AMP; LOLA: me alegra que te guste ;) A mi es que esta parte, la historia de la moda, los comienzos de los couturiers,su historia y la de las maisons, me fascina. Un beso!!

Flor de Maria dijo...

Me encanto tu blog, muy ilustrativo, sobre todo para aquellos que somoa amantes de la moda.Un gran abrazo de Mexico.